名家會客室《From AI to I》系列講座最終場，邀請必應創造設計總監陳彥志與三金音樂製作人陳建騏，從演唱會幕後創作的視角，分享那些讓人被打動的瞬間。一位負責演唱會的視覺敘事，一位掌管音樂的情緒節奏，從不同的創作位置出發，共同追尋一件事：如何讓一場表演，不只是一次演出，而是一段無法被複製的生命記憶。

演唱會就像一場帶有音樂的旅行

「我覺得演唱會，它其實有點像一場帶有音樂的旅行。」在必應創造設計總監陳彥志眼中，一場旅行有既定的行程，也有途中與人、與環境互動的過程，更會因為那些無法預期的意外，而留下最深刻的記憶。演唱會也是如此，從等待開演、踏入場館，到燈光暗下、音樂響起，甚至散場後仍久久縈繞心中的情緒，都屬於這場旅程。

因此，設計演唱會的媒介，從來不只存在於舞台螢幕上。五月天的環場巴士，讓表演延伸至整座場館；麋先生邀請馬戲團同台演出，讓歌曲化為立體的劇場敘事。又例如國外拉斯維加斯 Sphere 場館透過環繞影像、震動座椅、風與氣味，打造全感官的沉浸式體驗；而 Lady Gaga 的演唱會，從歌迷精心打扮、排隊入場的那一刻開始，演出便已悄然展開。

陳彥志也分享了一段令他至今難忘的觀眾回饋。五月天〈我不願讓你一個人〉的視訊設計，以一棵從舞台中央緩緩生長的生命樹作為核心意象。樹木從地底竄出，機關也順勢托高了五月天，能量沿著樹幹向上流動，最後在枝梢化作煙火綻放天際，而五月天則站立其中，彷彿承載著這股生命力。這段原本單純是以五月天團員為中心的視覺設計。

然而，演出結束後，一位歌迷的分享，卻讓他重新理解了這件作品。歌迷寫道，當全場亮起與畫面相同色彩的螢光棒時，每一位觀眾就像是生命樹深埋地底的根，手中的光沿著螢光棒匯聚成能量，經過五月天，再一路向上流向枝葉，最終綻放成夜空中的煙火。那一刻，舞台上的樹不再只是視覺設計，而是連結歌手與觀眾的共同生命。

「哇，我看了其實很感動。」陳彥志笑著說。因為那樣的詮釋，早已超出創作團隊最初的想像，觀眾亦成為舞台美術的一部分，賦予了作品新的意義，這也正是現場最珍貴、最難被複製的價值。

創作者真正設計的，是人與人之間的連結

提到自己最難忘的一場演唱會，陳彥志分享，2016 年在臺北 Legacy 觀看日本樂團魚韻（サカナクション）演出〈Neptune〉時，整個場館幾乎沒有燈光，觀眾置身於伸手不見五指的黑暗，只剩下音樂、呼吸聲，以及空間裡細微的震動。他雙手插著口袋，閉上眼睛，任由自己隨著音樂緩緩下沉。多年後，那份身體留下的記憶依然鮮明。

演唱會設計所創造的，正是那些身體親自感受、無法被複製的記憶。舞台上的每一個畫面、每一道燈光、每一個細節，最終都指向同一件事——讓歌手、觀眾，以及所有參與其中的人，共同完成一段值得帶走的回憶。

談到 AI 這個命題，陳彥志認為，AI 可以協助生成畫面、縮短製作流程，甚至在緊急時提供不少幫助；但真正困難的，始終是「選擇」。「我們知道什麼是我們要的，也知道什麼會打動觀眾。」比起擔心 AI 取代自己，他反而更擔心另一件事。「如果有一天，你眼中沒有光，心中沒有火，失去了那種衝動、渴望與熱情，你就做不出能感動別人的作品。」他坦言，自己也曾一度陷入創作疲乏。後來，他重新拿起相機，用拍照重新找回對世界的感受。他認為，成為一個有感覺的人，比任何工具都更重要。因為無論是藝術、設計，還是人生本身，真正能創造作品的，是那顆願意感受世界，也願意持續與人連結的心。

在數位寂寞的時代，重新找回現場的溫度

談起 AI 對創作的影響，陳建騏沒有急著討論技術，而是先談起另一個他更在意的現象——數位寂寞。他觀察，過去人們常說數位時代帶來的是「數位冷漠」，但他認為，更貼近當下的，其實是「數位寂寞」。每個人都存在於不同的群組、社群平台與聊天室，看似隨時保持連結，卻也更容易感受到彼此之間遙遠的距離。一句簡單的「好啊」、「OK」，無法看見對方的眼神與表情，也難以真正感受彼此的情緒。

相較之下，現場演出之所以無可取代，正因為所有感受都是真實發生的。「呼吸、歡呼聲、螢光棒拿起來或放下，每一個反應，都是參與的一部分。」對陳建騏而言，演唱會、劇場、音樂會的價值，不只是作品被呈現，更是在同一個時間、同一個空間裡，人與人共同創造了一段無法重來的經驗。因此，他也鼓勵大家多走進現場，因為唯有真正置身其中，才能感受到數位世界無法取代的溫度。

在感性與理性之間

「創作，其實就是把感性的語言，轉化成可以被感受到的形式。」陳建騏分享自己的養成歷程。並非音樂科班出身的他，在高中、大學時期透過話劇社接觸劇場，並開始為戲劇創作配樂。劇場教會他的，從來不只是音樂，而是如何將導演口中的一句「像河流一樣」、「像少女逐漸崩潰的心」，轉譯成旋律、和聲與節奏，讓抽象的情感成為觀眾能夠感受的聲音。在他眼中，創作始終建立在感性與理性的交會。感性決定作品想傳達的情緒與故事，理性則思考如何透過音樂、影像、燈光與設計，讓這份感受真正落地。

他以劉若英演唱會的安可段落為例。劉若英經常以〈給十五歲的自己〉作為安可開場，回望生命中的遺憾、成長與未竟之事。為了讓演出產生新的驚喜，團隊選擇加入〈我喜歡你現在的樣子〉，讓兩首歌形成彼此的回答：即使人生無法重來，也仍能接受走到此刻的自己。陳建騏並未讓一首歌唱完，再接上另一首，而是將兩首歌的主歌、副歌與歌詞彼此交錯。他先憑感覺尋找歌詞之間的關係，再回到和弦、調性與編曲，理性地解決兩首歌如何共存。

另一個例子，是五月天〈諾亞方舟〉的編曲。他試圖用聲音描繪「從黑暗走向光明」的感受，沒有依循既有公式，而是憑著直覺，讓弦樂從低頻一路攀升至高頻，並刻意加入許多不完全和諧的音程，使音樂在不穩定與釋放之間流動。這些看似「不合理」的選擇，反而構成了作品獨有的情緒。

「我不確定 AI 可不可以有這個想法。」對陳建騏而言，原理讓想法得以實現，真正決定作品樣貌的，始終是創作者的生命經驗與感受。他認為，音階、和弦、編曲原理，乃至 AI，都只是創作者手中的工具。AI 所學習的是無數創作者留下的資料，但一個人的劇場經驗、工作歷程、人際關係與生命故事，如何沉澱成獨有的內在邏輯，並在某個瞬間化為沒有標準答案的選擇，仍是創作最難被複製的部分。

人之所以珍貴，從來不是因為完美，而是因為會犯錯、會猶豫，也會依循感受，做出不完全合理的決定。那些帶著直覺、甚至留有瑕疵的選擇，往往才讓作品擁有無法被演算法預測的溫度。

所有創作，最後都回到人

從演唱會是一場旅行、人與人的連結，到感性與理性的選擇，兩位講者不約而同提醒我們：真正被記住的，不是最精準的技術，而是那些來自人的感受、生命經驗，以及願意真誠與世界連結的心。或許，這正是《From AI to I》真正想談的，不只是 Artificial Intelligence，而是永遠無法被取代的 I。

授權轉載自: 臺北文創 名家觀點

迷失商業叢林，傳統農產品的品牌之困

農者，代表著一群對土地充滿執著的耕者，有點固執，固執得無法和可能傷害大地耕作方式妥協，固執的寧願自己多吃點苦、少賺點，也不願把帶有風險的產品交給別人。但是，這份憨直，並未讓他（她）們在商業世界得到眷顧。

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農業品牌往往不太擅長將這些價值清楚、簡單地轉譯給消費者，也因此常常出現「產品很好，卻不一定被理解」的情況。

設計師：王怡琴WANG Yi-Chin

出生於台北，現居大阪。京都精華大學視覺傳達設計學系特別任用准教授，並為日本文字設計協會會員，曾任職於「SHINNOSKE DESIGN」，並於2023年4月成立「OU DESIGN LAB」。致力於透過視覺設計的轉譯，連結人與在地產業及企業品牌之間的距離與關係。

設計，在感動人之前、得讓自己也有所觸動。

小農連線：「峰禾日秝」的視覺設計

深耕台灣土地，「峰禾日秝」以中部為主串連全台農產品、加工鏈，以合作方式推廣小農咖啡、茶、柑橘、餅乾休閒食品等農產品。產業連結的理念甚好，但卻遇到「內容、產品複雜」的問題。設計時，怡琴幫客戶進行資訊整理，企劃訊息主次，確認定位內容與Logo，再將Logo轉移到不同的包裝設計。

花香與烘焙香: HANA Souffle Cheesecake, Kyoto

「花」，作為農藝作物中最浪漫的代表，被一位熱愛烘焙花藝師轉化為舒芙蕾芝士蛋糕，麵粉、雞蛋在烤箱中慢慢展開，與花朵絢爛的顏色搭配成帶給人喜悅的甜點。設計上怡琴選擇了素雅但層次豐富的線條，表現出純粹、但綿延不絕的品牌精神。

來自高雄，邁向日本的「清菊水產」

清菊水產 (Kiyokiku Suisan)是高雄的經營三代的養殖場，採用環境友善水產養殖方法，提供提供安全的產品，目前正努力拓展日本市場，需要清晰的產品介紹與包裝設計。

設計立新：讓農產品成為貨架上最美的存在

農者，是最有故事的，但往往也是最沈默的，那些因勞作被劃破的手指，在經年累月的日照下，變成深黑的傷疤，斗笠下，這群人謙卑得如稻穗，低著頭，默默努力，他們知道，一切收成，少不了節氣、地力的成全，自己不過是幸運得到了餽贈。這份啟蒙，是學校、職場、城市永遠無法給予的。一位設計師，能為這群人做些什麼呢？是將他們啞於表達那些事，用樸實的設計講明白，怡琴說：

一位夥伴曾說：「台灣是塊寶地，其地形與氣候孕育出很多優質的果實，我想把這份價值傳達給更多人，甚至讓海外也能品嚐和看見。」那一刻我更確信，設計的角色，是幫助他們把這份對土地的珍惜與價值，好好地說清楚，讓更多人真正理解。

當設計成為一種利他，成為一種對自然的牽掛與守護，那份感動，只會在傳播中變得更有力量，因為它回應的是人在工商社會下被深埋、卻極為重要的真誠。夕陽觸地，靛藍與橙黃暈染了整片天空，那些農產品，生長在最浪漫的時刻，而設計，便是在貨架上，重現它的美好。

延伸閱讀
https://www.fpeakproject.com/
https://kiyokikusuisan.jp/
https://hana-cheesecake.jp/

於是，2026年的現在，即便這可能是伊藤潤二的基本題，但我們仍舊想先詢問伊藤潤二，是如何看待人類的恐懼，他說：「恐懼是很單純的情緒，而這種單純的情緒對於人類而言，基本上是不會改變的，那是一種很古老的情緒，至於人類看到害怕的東西會逃跑，也是保護自己的手段跟方式。」

「恐懼是單純的情緒，是不會變的情緒」，伊藤潤二這樣的思考，同時反映在自身創作之中——我們也進一步地在創作40年的這個節點上，請伊藤潤二回看過去自身的職業生涯，伊藤潤二的回答是：「我一直都沒有特別的變化。」

於是，讀者看見的，是不會變的恐懼（人類情緒），是不會變的伊藤潤二，而這樣的「不會變」恰恰反映出始終堅持如己的作者風格與其迷戀主題，是藝術家、漫畫家，同時也是備受日本推崇的職人魂魄；而伊藤潤二的不變，也就與其崇拜的日本恐怖漫畫家先驅楳圖一雄大師兩相對照，雙雙映照出了自身面對恐怖的精神。

這一場面對伊藤潤二的專訪，我們想持續往下挖掘那份恐怖的精神。

伊藤潤二的「超現實」與「現實」

倘若看過任何一本伊藤潤二的漫畫，大概就能夠理解，伊藤潤二的恐怖，最先映入眼中的是「超現實」的筆觸——靈動不受拘束的作畫風格、怪誕詭譎的線條流動、不墨守成規的視覺經驗，以風格來看，幾乎奠定了伊藤潤二的恐怖世界；而在這當中，伊藤潤二常常在做的其實是「肉體恐怖」（Body horror）。

就以經典作品《漩渦》為例，舌頭的不自然捲曲、眼珠的反向轉動、肉體的蜿蜒、蠕動、凹折成不規則的形體，都是先從「肉體」透出的「恐怖」，伊藤潤二是擅長重構讀者習以為常的「身體」，破壞身體習慣的感知經驗，並藉由身體作為工具，轉化為符號，探究主體、慾望與恐懼，進一步帶領人們走入奇想世界。

換句話說，就從作者風格的創作筆觸來看，伊藤潤二創造出所謂的「超現實」，是從美學形式到怪誕恐懼的主題相互契合，在這裡，我們詢問了伊藤潤二，「作為一名漫畫家，是如何在自己貫徹的『非現實』美學中和普世大眾溝通，並做到連結起『現實』，同時又讓人們意識到這些恐懼是真實存在的」？

伊藤潤二說：「我本來就很想畫超現實的東西，而為了讓讀者感受我想表達的感覺，首先，我會非常具體畫出『想像中的超現實』，接著，我會去想像，書中角色看到這些『超現實』會有什麼反應；因為，角色的反應一旦不真實，就沒辦法連結讀者的反應，也就沒辦法融在其中。總結來說，我得想像，如果遇上前所未見的事物，讀者會有什麼反應，然後將這個反應具體畫出來，才能產生共鳴。」

從伊藤潤二的回答來看，「超現實」要能夠成立，是必須得建立在「現實」的反應，亦即，漫畫中所發生的恐怖／懼、非自然、陰暗面的真實性，是透過角色的互動去建構出來的，而角色就是讀者，是必須得共同面對這些「超現實」的存在——因此，角色也才能夠說服讀者，或是說，將讀者內心的深層恐懼給真正地抓了出來。

這也是為什麼，伊藤潤二的作品其實經常是聚焦於「日常」，透過人們日常的細節去串連起普世經驗，深化其說服力，甚至是，進而透過日常的離經叛道去探索恐懼本身，並同時從小至個人，中至家庭、學校，大至日本社會的結構，去串連起整個「伊藤潤二的宇宙觀」，而伊藤潤二真正擅長但常常被忽略的，其實就也是這個——將微小日常細節轉譯放置在創作中，這是引領讀者進入漫畫世界的第一步，也是最重要的聯繫。

當被問道如何觀察人們的日常並將其放置作品中時，伊藤潤二緩緩地說：「從小，我就會觀察身邊的人的行為以及想法，有點像我和另一個人之間放了一面鏡子，我會去想像，這個人在這時候做了這件事，是會怎麼想的，我會這樣去解讀。」

而對於恐懼本身，伊藤潤二則是這樣說的：「對我來說發自內心的恐怖，其實是威脅到生命的危險，那是真正的恐怖；尤其當我不知道接下來會發生什麼事，當下的那個恐怖就會一直堆疊，甚至會胡思亂想，越來越害怕。」

肉體恐怖與橫跨主題

在這些日常與恐怖當中，伊藤潤二創造了幾個極富辨識度且備受歡迎的角色，而「富江」則是讀者的最愛，在這個角色及其篇章當中，積極實踐了伊藤潤二的一切元素。

伊藤潤二在「富江」身上，透過女性的身體、慾望、被壓迫、被消費、被觀看，讓女性獨有的身體經驗「變形」、「解構」、「重組」、「重生」然後「破壞」，選擇將恐懼具象化在身體的變化之上，於是隨著女性心境的推移、主客體的轉化、鏡像關係的窺探，創造了肉身同化、物化、變異最終消逝的幻影。

「富江」本質上就是一部奠基於「肉體恐怖」的驚悚故事，伊藤潤二近乎瘋狂詭譎地利用超現實，表徵了恐懼，而這些恐懼的深處，其實是與日本社會的日常息息相關——男性凝視、男性優越又或是父權社會結構底下的深層暴力壓在了「富江」身上，而那是在整體資本社會、父權體系之下的被禁錮，暗示了身體解放或是權力的不對等，在男性外在他者的交織之下，其實是「女性身體經驗」的「恐怖」故事，這才恰恰是恐懼背後的暴力本質。

於是乎，我們在「富江」身上發現的，是身體不僅是情緒與表達的中介，它當然更是一種政治、律法、體系的「客體」再現——身體實際上也是一種體現社會結構的容器；也因此，伊藤潤二是在這樣的狀態中，展現人與人、人與社會的關係，從身體內／外在的恐怖出發審視，觀看乃至於內化社會外在對個體的影響。

而「肉體恐怖」、「日常經驗」、「超現實風格」三者恰到好處的融於一爐，造就了「富江」，成了伊藤潤二至今最具代表性的角色。

至於圍繞在「富江」周遭的，是關於迷戀、執著、瘋狂等主題，這幾乎貫串了伊藤潤二至今的職業生涯，而對於伊藤潤二來說，這些情緒幾乎是水到渠成的恐怖，「人們在談戀愛時，是瘋狂的，」伊藤潤二繼續說：「也可能是因為人在談戀愛的這種瘋狂所產生的一些舉動，比較容易能夠構築出我所需要的劇情、橋段或是恐怖，好像也比較容易塑造出恐怖氛圍，所以這樣的主題漸漸多了起來。」

然而，除了「富江」的女性主題之外，還有「雙一」的校園／家庭經驗，甚至是《逃兵之家》對於戰爭的思考，而在多數篇章與角色中可以發現，孩童、女性、愛情、戰爭、夢、家庭等主題，都是伊藤潤二所著迷的，對此，伊藤潤二則說：「在作畫之前，我其實不會特地設定主題，通常是將某個畫面、場景、小事件描繪出來，再慢慢連貫成故事。」

從小地方著手——無論是被忽略的日常，又或是某個不經意的畫面，都能夠是伊藤潤二的靈感來源，而當放大了身體的多重感官，它就會是一種與精神、情緒的直接橋樑，所以在伊藤潤二的世界中，那個慢慢連成一氣的故事裡，我們永遠能看見「奇形怪狀」，而那不只是肉體上的，更是精神上的，是自我、他者和世界相處過後的另一種樣子。

展覽與跨媒材——《伊藤潤二展 誘惑》

今年，由木棉花國際、時藝多媒體、朝日新聞社主辦的《伊藤潤二展 誘惑》引起了許多討論，當然，台灣觀眾對於伊藤潤二的展覽也不陌生，而展覽是不同於漫畫的呈現，在某個場域空間，更加強化了觀眾的身體經驗，藉此深刻表述其美學與主題，對於伊藤潤二來說，在台灣辦展覽則有特別意義。

「在我的人生之中，第一次辦展覽就是在台灣，海外翻譯本也是台灣先做的，是東立出版，我們也已經是老朋友了，感情非常深厚；而台灣讀者比較熱情，面對我的作品會更主動表達喜愛，對我來說，台灣是很特別的地方，」伊藤潤二笑著說。

辦展覽其實和創作漫畫比較不同，最大的差異應該是「獨立性」；展覽的敘事並非一個人能夠完成，包含空間、資源、調度上都需與更龐大的團隊合作，而漫畫媒材其實是擁有「一個人可以完成」的特殊性，形成了本質上的不同。

然而，近年伊藤潤二的漫畫作品也不只是轉譯成展覽形式，同時包含電影、電視等形式，這些創作的表達都與漫畫不盡相同，面對這些不同，伊藤潤二說：「確實，如果轉譯成電影、電視、動畫等等，就會涉及到其他的專業人員，而每個人都有自己的想法跟詮釋，我覺得這樣也挺好的，因為在這些『術業有專攻』的處理中，作品會有其他發展，我是樂見其成的。」

伊藤潤二作為一個漫畫家，對他來說，這個職業也非獨善其身，是需要兼顧他人，例如編輯、出版社等從業人員的意見，當集結更多人的意見完成的作品，或許就較能受到大眾喜愛，但是，漫畫創作的藝術形式的魅力，當然遠遠不止是如此。

「漫畫家也可以一人獨斷，表達『我就是要這樣畫』的態度，進而創造自己真正想要的作品；在作畫過程中，從畫面、分鏡逐格檢視，就能彰顯漫畫家個人的風格與個性，對我來說，這就是漫畫的魅力吧，」伊藤潤二說。

沿著上述所有討論檢視，伊藤潤二是真正能被稱為「作者」的漫畫家——無論是從線條筆觸創造的美學形式，又或是在恐懼主題的從一而終，兩相結合，讓所有人一眼就能辨識出「伊藤潤二」，這並不容易，這幾乎是所有——不僅限於漫畫媒材的創作者，都試圖達成的理想。

而伊藤潤二做到了，他的筆與奇想甚至讓所有人都意識到了——或許，富江、雙一等怪誕是真正存在的，只是躲了起來，而我們需要伊藤潤二為我們指認那些恐怖／懼的發生，那才是我們所處的真實世界。

授權轉載自: 臺北文創名家觀點

身材高挑、手指纖細的她常被形容仙氣外露，因為她能自由穿梭在不同維度的世界，如同宮崎駿作品中的《魔法公主》小桑與《神隱少女》千尋。一方面流連紅塵俗世，彈指之間能切換頻道，連接常人無法感知的仙佛宇宙。

這些玄幻經歷，都在她與麻瓜夥伴Wen主持的 Podcast《設計師的仙界傳說》揭密，累積超過140集、1700萬下載量。節目邀訪橫跨設計師、導演與歌手，薩滿、通靈人也是座上賓，帶領聽眾遊歷地獄與天堂。

完美人設 業力爆炸

Misc從小著迷《魔法公主》、《神隱少女》等奇幻作品，也一直對神祕世界充滿好奇。然而，擁有敏感體質的她，三十歲前卻始終是個相信科學、理性的無神論者，即使偶爾遇見難以解釋的經驗，也總試著用現實角度理解。

人生猶如動漫的黃金公式，劇情會推進各種衝突、考驗，讓主角一點一滴認識自己是誰。若持續逃避真我，業力就會引爆。真正的轉折，發生在事業看似攀上高峰之後。獲得第五十四屆金鐘獎《你的孩子不是你的孩子－貓的孩子》美術設計獎前後，長年追求完美、扛起家庭責任的她，身心逐漸失衡，長期活在包裝的人設，逐漸反噬身心，憂鬱症一路惡化，甚至出現人格解離。「當強烈想結束生命的念頭出現時，我還有設計專案正在進行，卻完全無法控制自己，那一刻才知道，我真的生病了。」

在家人的陪伴下，她開始接觸修行。起初只是抱著試試看的心情，卻在一次次靜心與練習中，慢慢找回與自己相處的方法，也重新理解那些過去無法解釋的生命經驗。十多年來，修行不只是信仰，更成為她面對創作與人生的重要支點。

修行轉動了仙界品牌之路

製作《設計師的仙界傳說》節目契機，正是大疫期間，Misc和夥伴Wen的工作被迫停擺。但上帝關了一扇窗，讓他們開啟仙界潮牌的大門，Misc也從設計師身分正式靈性出櫃。

公開通靈身分，Misc坦言不是真的沒包袱。但堅守原則，不主動談怪力亂神，也不想刻意說服他人。就連家人也僅知道節目談仙佛鬼怪，但父親和弟弟都很鐵齒，平常不會多問。「前幾年我外婆過世，我第一次有亡者通靈經驗。跟媽媽和小阿姨傳達外婆需求結束後，父親突然跟我說，謝謝我有在修行。」

2023年是《設計師的仙界傳說》魚躍龍門的一年，從聲音內容跨界實體產品。創作契機是某次Misc在高雄誠品想找神明資料，發現都沒專書介紹，興起做一本介紹神佛年曆的衝動。起初專家都建議，年曆要不虧錢，一定要做小開本、普通紙，並降低油墨成本，賣到兩、三千本打平成本就很厲害。

為了讓神像細節完整呈現，團隊逆風以往暢銷年曆規格，大膽提出B5大開本、美術紙、金屬油墨。「跟印刷廠談合作時，他們都覺得我們太瘋狂！」外人都認定賠本情況，團隊仍堅守初心。唯有打破傳統邊界，才能把時髦、光能量、神祕性展現出來。「我們沒想說要賺錢，所以就放手一搏，賠錢也要把它做好。」2024年《龍年眾神曆》募資結束，銷售破萬本，募資金額1888萬，跌破眾人眼鏡。

募資後，Misc與兩位畫師都想蛇年再接再厲，但被文案折磨生出白髮的Wen拒絕，結果保生大帝竟入夢，問Wen敢不敢再往前一步！於是花了兩年時間籌備，2025年《馬年眾神曆》在神明推波助瀾與加持後，以2600萬成績又打破募資紀錄。

重拾創作純粹，讓設計自由地呼吸

其實做眾神曆之前，Misc一度厭倦設計。她坦誠工作久了落入SOP俗套。加上串流平台興起、外資介入後，投入數年影劇的主視覺被迫雪藏，讓她感覺設計只是一種餬口工具。

而仙界周邊商品不需為他人作嫁，讓她重拾純粹的設計快樂，感覺新種子從內在萌芽，「尤其做完《馬年眾神曆》，我在設計上能更自由表達觀點。」Misc不諱言，現在面對甲方能更自由地闡述自我。雙方沒共識也能從容地說謝謝，合作到此為止。

製作眾神曆過程中，完美主義者Misc沒消失，但有天發現心從緊繃變鬆弛。她不斷練習，很多事無法完美如願。像《馬年眾神曆》團隊沒日沒夜校搞，最後印刷仍有錯誤。過去的她會糾結，現在感受夥伴們盡力堅持到最後一刻，不完美也能釋懷。

「我有時還覺得畫師們太辛苦，判斷部分印刷不用畫到那麼細緻。但神明立刻入夢，直接局部放大給麻瓜畫師看，要注意的地方。」Misc笑說這不是壓力，而是各種跡象顯示神明在照看。就連負責文案的Wen也曾有神明入夢，表達幾月幾號是祂的誕辰。醒來一查，還真發現有這位神明和生日，因此趕快在眾神曆新增名單。

限量印刷的眾神曆，在二手網拍出現漲價流通的現象。不少粉絲都在敲碗期待下一本，Misc也一直接到神明指示。但製作過程太辛苦，眾神曆應是絕響，「但我們會把兩本合一，變成神明百科。」Misc表示，做眾神曆初衷是保存與宣揚傳統文化，讓台灣神明透過重新轉譯整合。當大願逐漸清晰，冥冥之中就被保佑，每次資金快要見底，Podcast業配就進來，如此循環往復，印證天地皆同力。

眾神曆讓品牌影響力擴及海內外，甚至圈粉美國巴爾的摩的基督徒，每日都會翻閱眾神曆，還央求朋友翻譯每集節目內容。Misc也深刻感受到，自己想認識全世界眾神的好奇心，其實外國人也有相同共鳴，想了解台灣神明的故事。

仙界品牌三重奏：專業、事業、修行的共振

專業、事業與修行合而為一，Misc人生跟著《設計師的仙界傳說》不斷解鎖體驗。Misc從小身懷音樂天賦，幼稚園無師自通就能彈出小蜜蜂和小星星。直到國中家道中落，音樂只能變成愛好。為了擔負家計，畢業優先選擇更穩定的設計工作。但近年AI技術爆發，她透過眾神曆一圓音樂夢，發揮多年累積的音樂和視覺品味，幫眾神們製作MV。

常有人問Misc，設計時會用到通靈能力嗎？她直言創作靈感來自於人間觀察滋養，不會呼叫菩薩來幫忙。不過近年籌備「光ㄉ似顏繪」，讓她初次運用通靈結合設計能力，畫出人身上的光。創作契機來自於，身邊朋友們好奇身上的光。在《Not Big Issue小誌》市集上，Misc又擴大計畫。她幽默地說參與者太多，畫到手快斷掉。現在都改用拍立得，再加上手繪光線，至今作品累積超過400人。

修行接觸神佛智慧，Misc最明顯感受是內在成長。她能很自在地說：「因為太喜歡佛法，所以我們想弘揚佛法。」甚至未來想辦一所學校空間，這種子意外提早發芽。Misc在松江南京的舊公寓居住多年，房東因兒子從美國回台，就請她搬離。未料兒子不住，又想找Misc回租，空屋超過半年以上，房東仍鍥而不捨一直打給Misc，還重新修繕。奇妙跡象猶如神明助攻，團隊決定提前空間經營計畫，開設「好仙書室」。平日免費開放，讓大眾可以預約來看書、聽冥想。假日則舉辦Misc的仙界冥想課。

回歸真我，人間即是遊樂場

想自由地不斷創造，是Misc本能的衝動。現在她的創造力，不再侷限用以拉(Adobe Illustrator 向量繪圖軟體的俗稱)做平面稿，而是揮灑到立體人生。小三歲的弟弟常對她說，「姊姊，你真的很像小孩！」骨子裡有一股不受控的勁，原因是她太喜歡這世界，對這世界有太多好奇。

聊起她最近煩惱，是當不再為生計所困、不局限設計師角色。處在未來有各種可能性時，反而迷惘內在最大渴望是什麼？回溯童年最愛的《魔法公主》，劇中男主角阿席達卡，隱喻著人類的返璞歸真。對照Misc去修行，也不是為了到天上當神仙。而是剝解身上的標籤，助她回歸純真初心。

若歷經苦難、渡盡千帆，仍能重拾孩子眼光，還原本來樣貌，持續對世界好奇、生動地活著，那人間也能是你創造顯化的遊樂場。

授權轉載自：臺北文創名家觀點

這也像今日我們觀看 AI 生成影像時的感受：乍看精緻、漂亮、甚至近乎真實；但若你真正認識那個場景、熟悉那片土地，便會察覺其中細微的違和。美感從來不只是畫面本身，也包含我們如何理解它背後的脈絡。

臺北文創名家會客室《From AI to I》系列第二場，主持人蕭詒徽便以這段故事揭開序幕，邀請無氏製作創辦人吳孝儒與再現影像視覺特效總監郭憲聰，以「無法生成的台灣感性」為題，從設計、影像與文化創作出發，探討在 AI 快速改變創作流程的時代，那些仍必須回到土地、現場與人之間，才能真正累積的創作感知。

AI 做不到的田野調查

無氏製作創辦人吳孝儒出身工業設計，團隊如今的工作已從產品設計延伸至品牌與策展。許多人初次看見他們的作品，總會感受到一股濃厚的臺灣氣質，而這份創作方向，若要追溯或可說源自他畢業後前往米蘭參展的一次體悟。

他回憶，在學習藝術史與設計史的年代，美感、比例、工具與方法，幾乎都由西方知識體系定義。但到了國際場域，他反而意識到，當創作者越能對自己的文化有自信、越能提出對自身文化的想法，世界也越願意與你討論「設計是什麼」。

因此，無氏製作長期合作的客戶，多半是深植臺灣土地的品牌與產業，從茶籽堂、春池玻璃，到糕點、老餐廳與傳統產業，許多都關注臺灣文化如何被重新轉譯。對吳孝儒而言，文化並不遙遠，它其實存在於每個人的 24 小時之中：我們使用的杯子、椅子、桌子與各種產品，都在形塑日常生活。這也是無氏製作的理念 Form Follows Story 「型隨在地」，從台灣在地文化與庶民生活取樣，讓設計不僅具備美學包裝，更能成為乘載故事與文化的載體。

而在這樣的理念下，面對 AI 的快速發展，吳孝儒認為，真正難以被取代的，正是創作者走進現場的能力。AI 可以回答問題、生成精美影像、完成指定任務，卻無法真正進入地方進行「田野調查」。不去喝茶，就不知道茶杯該如何被使用；不喝咖啡，就難以設計一台好的咖啡機；不理解衝浪者的身體經驗，也無法真正優化一塊衝浪板。那些來自生活現場的觀察、反覆累積的感知，以及對地方文化的理解，才是設計最重要、也是 AI 最難生成的價值。

從真實取樣，為地方創作

吳孝儒以新北設計展《Life in Circle》為例，說明無氏製作如何將田野調查轉化為創作。當時團隊以「住在這座環形城市的青年」為題，走訪新北不同區域的青年，並找來影像團隊、電影美術、音樂人與文案共同合作， 創造出六位不存在的虛擬人物。他們將田野調查所得的資料交給 AI，生成這些人的樣貌，替他們建立社群帳號與房間場景；但這些人物去過的地方、朋友的生活、上傳的影像與日常細節，全都來自真實的新北青年。換句話說，人物是假的，生活卻是真的。現場觀眾走進房間、聽見音樂人為其創作的歌曲，也透過他們的社群視角，看見一座城市裡不同青年共同構成的集體意識。

另一個案例，則是無氏製作持續參與至今約五年的「臺東設計中心」。吳孝儒回憶，一開始接觸這個案子時，他原以為設計中心只是一個展覽空間；但後來才理解，它真正的任務，是協助縣府處理與設計相關的公共案件，讓標案從一開始就能「出對題目」。

當時正值疫情期間，實體展覽受限，讓吳孝儒開始思考：除了展覽之外，還有什麼內容能穿越空間與距離？於是，Podcast 計畫「台東慢波電臺」誕生了。他將臺東設計中心想像成一座城市客廳，邀請在地人、移居者、部落工作者與各種生活者走進來說話，談族群文化、美學、產業與地方議題，這個計畫一路累積至今，已超過百集。團隊不只在設計中心錄音，也移動到不同地方，記錄臺東最直接的現場樣貌。嘉明湖揹工、熱氣球飛行員、巡山員、衝浪店老闆、鐵花村村長、生態調查員等人物，都成為理解臺東的重要入口。「台東慢波計畫」獲得 2023 GOOD DESIGN AWARD BEST100 肯定，評審讚賞它展現了以「地方人」出發、由下而上形塑城市的可能。

AI 改變的是方法，不是創作——從《大濛》談起

「AI 幾乎每個月都在進化，如果今天重新拍攝《大濛》，製作流程或許已經和兩年前完全不同。」再現影像視覺特效總監郭憲聰笑著說。以參與製作的電影《大濛》為例，他分享 AI 如何快速改變影視特效的工作流程，也談那些始終無法被取代的創作價值。

過去大家總以為視覺特效只存在於後期製作，但其實特效團隊從劇本討論階段便開始參與，與導演共同規畫拍攝方式、測試效果、評估製作可行性；拍攝現場會記錄燈光、光影、場景與各種環境資訊，確保後續特效能自然融入畫面。他也分享，一部作品完成前，還需經過追蹤、建模、動畫、特效模擬、燈光、算圖與合成等不同工序，每一個環節都仰賴高度專業與團隊協作。

郭憲聰形容，特效團隊最重要的工作，其實是「收集資訊」。每到一個拍攝現場，他都會盡可能拍下各種照片、掃描環境，因為那些真實的光線、空間與細節，很可能再也沒有機會重現，也是後期製作最珍貴的素材。

一層霧的背後，是整個 1950 年代臺北的重建

談到《大濛》最具挑戰的製作過程，郭憲聰認為，真正困難的是必須重建一個真實存在過的時代。正式製作前，導演、視覺特效、美術等主創團隊共同參與歷史學者林傳凱老師的課程，從戰後臺北的城市樣貌、生活習慣到街道聲景，重新理解 1950 年代的世界。他分享，許多耆老回憶，那個年代夜晚最深刻的聲音，是木屐踩踏街道的聲響；而當時的臺北，也並非今日熟悉的繁華都市，而是仍留有戰後痕跡、斷垣殘壁與大片綠地的城市景觀。這些看似微不足道的細節，卻成為團隊建立世界觀最重要的基礎，也讓每位創作者真正走進那個年代。

郭憲聰分享，他接下這部作品時最大的使命，希望透過數位技術，重新建構一座消失的城市，也為臺灣累積一套可延續運用的歷史場景資料。為了還原城市樣貌，團隊反覆比對歷史照片、地圖與文獻，並與美術指導王誌成(人稱頭哥)不斷討論、修正。從建築坐向、街道配置，到遠方山景與植被分布，每一個畫面都經過多次來回調整。郭憲聰笑說，導演看到初版畫面時，第一句話常是「不對 !」，植物太少、房屋排列錯了、城市方向也不對；甚至有一次因為樹木太過茂密，被笑稱看起來像「亞馬遜叢林」。然而，也正是在一次次討論與修正中，團隊逐漸拼湊出真正屬於 1950 年代臺北的樣貌。

此外面對如此龐大的城市重建工程，團隊沒有逐棟建模，而是將不同年代、不同形式的建築拆解成如同樂高積木般的模組，建立可重複運用的數位資料庫，再透過程式自動生成街區，最後依劇情需求加入人物、車輛與生活細節，不僅完成《大濛》的城市景觀，也為未來臺灣時代劇留下珍貴的數位資產。

原創，始終無法生成

談到 AI 對創作的影響，郭憲聰以《大濛》與自己參與的另一部Netflix原創影集《乩身》為例分享，兩者所面對的特效任務截然不同。《大濛》屬於「隱藏式特效」，最高境界是讓觀眾完全察覺不到特效的存在；《乩身》則必須打造屬於臺灣的奇幻美學，讓觀眾一眼就能辨識，而非任何國家的團隊都能複製。對他而言，當技術日趨成熟、工具越來越普及，真正拉開差距的，不再是軟體，而是創作者能否提出獨特的概念與美學。

「原創概念，才是最重要的。」郭憲聰說。AI 的確能協助生成概念圖、提升製作效率，但他也提醒，若過度依賴工具，人們是否反而逐漸失去思考獨特解法的能力？那些令人難忘的電影鏡頭，往往不是因為技術，而是來自創作者一個前所未有的想像。

吳孝儒則將這個觀點延伸到設計工作。他認為，設計一直被賦予「解決問題」的任務，卻很少有人思考如何「定義問題」。AI 能幫助人們更快找到答案，但無法替創作者決定，真正值得回答的是什麼問題。

他相信，真正珍貴的，始終是人類那一瞬間的靈光乍現。AI 可以協助延伸想像、提升效率，但那些來自感性、生活經驗、文化養分與創作直覺所誕生的創意，依然是人類最難被取代的資產。或許，這正是 AI 時代裡，依然無法生成的台灣感性。

授權轉載自: 臺北文創 名家觀點

陶藝，在玩泥中懂得拿捏，在塑形與修補中體會可控與不可控，
面對裂痕、放下執著，學著接受與欣賞。

@Potter’s House主理人：陶藝家Korrakoj Suksubvasin

陶藝老師Korrakoj Suksubvasin（Jae老師），大學畢業於King Mongkut’s University of Technology Thonburi建築專業，後來至上海大學美術學院陶藝進修，師從陳光輝，回泰後曾在大學母校、Chulalongkorn University任建築和陶藝課程，於 2009 年創辦了自己的工作室：@Potter’s House（Atpotterhouse.bkk）。

走進Jae老師的教室，可以看到琳瑯滿目的陶藝作品，從基本的茶杯，到各種古怪又可愛的瓷器，這間只能容納十人的小木屋，包含了孩子與老師最無限的創意。Jae笑說自己以前是念建築的，因為畢業時正好遇到亞洲金融危機，求職遇挫，於是便到上海學習陶藝，沒想到，卻成為一輩子的工作。

我會用建築的觀念來理解陶藝，2D轉3D，先畫草圖，接著建模、思考空間、遠近、厚度。

一、絕對的自由，在玩土中發展創意

Jae的教學很放鬆，她總問孩子：「你想做什麼？先畫畫看。」於是，一張報紙、一支麥克筆，成為作品的創作起點。比起直接給技巧指導，Jae更像是在幫助學生，實現想法。

在陶藝中，孩子得學習「看空間」與「耐心」，比如做一隻貓，到身體多大，腳掌圓的？方的？會讓他們學著去觀察世界。做陶不是一蹴而就的事，得耐心，不能免強土，土會碎、會變形，得順著土的狀態做，最後還得等土乾、等燒製。

二、作品：Hidden Treasure 與教堂陶藝

教學之餘，Jae也進行個人創作。2024年，她為曼谷設計週製作的公共藝術作品，結合兒時河邊觀察魚群的記憶，她想為此地打造一個夜晚也能閃亮的「星魚」之橋。

這件作品展示在連接運河兩岸社區的一座橋下。我在橋下固定各種大小的陶瓷魚。魚象徵著人們用漁網捕獲的寶藏，燈光照亮寶藏，同時也照亮船隻和行人。

創意，是當一個快樂的人

這個世代有太多日新月異的科技、層出不窮的商品，但人卻越活越緊張，實在的情感交流是當代的稀缺品，尤其是快樂。確實，就績效而言，人就像一個充滿瑕疵的折舊品，以至於我們會否定自己的存在。但，為何我們要把自己當作物品？而不是思考只有人能做的事情呢？比如繪畫、比如陶藝。在培土、拿捏中，陶冶情緒，在懂陶、懂土中更懂得自己。@Potter’s House是一個充滿笑語的地方，明豔的色澤下，陶瓷的脆弱與永恆相互滲透，映照出一位愛藝術的老師與一群孩子們古靈精怪的創意。

延伸閱讀
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關於荊山新創獎｜

自2017年辦理的「荊山經典文創藝術獎」，在今年邁入第五屆之時也正式更名為「荊山新創獎」。以建立「無國界的公共藝術平台」的願景出發，提攜新生代創作者，創造自由且更具創造力的藝文交流平台。

競賽主題｜Between & Beyond

夏荊山的書畫作品始於傳統，卻不被傳統所限；以宗教為題，卻打破宗教的藩籬，在線條與色彩之間，傳遞內心善願，創造安定人心的視覺語言。在藝術與生活之間，在傳統與當代之間，在宗教與人心之間，是否可以在明確的界線兩端找到連結，在看似模糊的空間發現新的創造。邀請您以夏荊山的創作精神為出發，在「界線」之間找尋可能，在「超越」當中回應當代需求，提出具美感、功能性與社會文化深度的創新作品。

參賽資格｜

不限國籍之個人或團體（5人以內），年齡需滿16歲。
參賽作品須為作者原創，且為2026年6月1日後創作完成之作品。
作品須以夏荊山之書畫作品為發想。
參賽者得免費使用基金會提供之圖檔，圖像授權需按基金會公告之規範辦理。

線上免費報名

詳細比賽內容說明請見  財團法人夏荊山文化藝術基金會官方粉絲團

BI-AAF為聯合國創意城市網絡認可之國際賽事,評審陣容涵蓋Balenciaga博物館館長、Fondazione Sozzani創意總監、Dior Men’s永續設計負責人等國際要職,被視為全球新銳時裝設計師最重要的競技舞台之一。本屆入圍者遍及德國、英國等14個國家,決賽與頒獎典禮將於2026年6月25日在西班牙畢爾包舉行。

入圍作品《BEAUTY AS CAMOUFLAGE》以蘭花螳螂的擬態生物邏輯為核心。設計師王季澧以台灣蝴蝶蘭的飽滿輪廓為造型基底,將螳螂身形的流線張力轉化為版型語言,並透過數位印花轉印提花布的技術,製造出虛實交替的視覺肌理——布料的反光特性同時詮釋昆蟲外骨骼的冷硬質感,在柔美的花卉圖騰之下埋伏一層不可忽視的危險。系列並援引1980年代非裔拉丁裔LGBTQ+舞會文化中的Vogue語彙,以亮片、緞面與誇張廓形,呼應性別作為展演而非本質的當代命題。

此系列延續了JOUISSANCE一直以來關注的創作命題。品牌由王季澧與賴語涵於2026年共同創立,以「將那些被漠視的人事物化為創作能量」為核心理念,致力於性別議題與台灣當代文化的國際轉譯。對於新銳品牌JOUISSANCE而言,入圍BI-AAF已是對創作實力的高度肯定,這份認可尤具意義。期待王季澧與賴語涵於決賽中繼續展現台灣設計的能量,在國際舞台上締造佳績。

曼谷新銳香氛品牌rati

夏日炎炎，炎不過曼谷的烈日，由Pong和Fon創立的泰國精油香氛品牌rati，用一種獨到的味覺邏輯，為熱帶氣候中煩熱焦躁的生活，注入淡雅的清新。rati在泰語中為愛（love），以對香氛的熱愛，致力挖掘天然草本和在地的故事。

全世界都知道泰國菜好吃，水果出名，但同時，那些真正種植、培育和開發這些優質泰國食材的人們，很少能從產業發展中獲益。我們認為其中一個原因是，泰國農產品往往售價過低，或者植物的許多部分在食品生產過程中被當作廢料丟棄，就像「高良薑」，人們大多只用它的根，而同樣香氣撲鼻的葉子和花朵卻很少被開發利用，這些植物和原料仍然蘊藏著巨大的開發潛力。因此，我們非常希望能為泰國農業創造更多可能。

顛覆設計：食材與香材共構，新Nam-Prung

泰國香氛與歐洲香氛截然不同，歐洲主要透過蒸餾，香氣通常清澈且鮮明，而傳統泰國香水則以發酵和浸泡製作——被稱之為น้ำปรุง (Nam-Prung), 有種“美妙發酵”的獨特氣味。

對rati 而言，與其說是尋找「香氣」，更像是在探索「味道」，這個態度隱含了一份執念：享譽世界泰國料理，以各種草本、花香入菜，為何這些材料，不能成為製作香氛的原料呢？rati設計的「Nam-Prung」主調圍繞著梔子花、椰子和白麝香展開，希望給人圓潤且略帶奶油般的感覺，像漫步在曼谷著名的帕空花市(（Pak Khlong Talat)，空氣中瀰漫著各種芬芳，特別是梔子花疊加椰子、柔和的麝香和綠葉香，重現新鮮花莖和葉片的氣息。

雨後的海水、岩林、海灘：Khao Lak 11

香水Khao Lak 11靈感來於雨後的熱帶海灘：涼爽的空氣、濕潤的土壤、潮濕的樹木相互交織的狀態。拷叻(Khao Lak) 是泰國南部攀牙府最美的海灘之一，保留著未經雕琢的風貌，這裡並非熱門的旅遊地，但衝浪愛好者卻非常熟悉。每到雨季，特別是7月到10月之間，總吸引許多衝浪愛好者前往。

香氛以水生柑橘香調為基礎，結合青檸果皮、生長在森林附近的泰國本土草藥Wan Sao Long、泰國北部烹飪中常用的香料Makhwaen，並以火山石為載體來營造濕潤的雨林氛圍，帶來一種略帶辛辣、清新、濕潤的感覺。

重構傳統，當代茉莉香調：Jasmine Sambac

在泰國，茉莉花環(Ma-Lai/n.)傳統上是表達敬意和虔誠的物品，它們經常與佛教儀式聯繫在一起，例如向僧侶供奉花環或放在神龕中。

在泰國當代電影與鬼故事裡，「花環」常被「超自然意象」聯繫起來，因此，茉莉花在年輕人眼中逐漸變得神秘、甚至有些令人恐懼。為了扭轉這個認知，rati以平易近人的方式來重新詮釋茉莉花，讓它更符合年輕人的喜好。他們發現傳統的茉莉花香氛過於濃鬱、甜膩。因此改以柔和的Jasmine Sambac 為主調，隨後開始圍繞主調加入晚香玉、橙花和白琥珀等輔助花香。

我們以雞尾酒的結構思考，尤其是以威士忌或其他烈酒為基酒的雞尾酒，它們層次豐富，風味獨特，隨著時間的推移慢慢展現出來，目的是營造既不矯揉造作，也不過於濃烈的自然感覺。

城市擁塞中的片刻出走：No Traffic Jam

初來曼谷的遊客，總會對喧鬧的街道感到好奇，甚至醉於五色斑斕的城市風景，但對於長居此地的曼谷人來說，擁堵已成為日常生活的惡夢。香氛No Traffic Jam想營造一種悠閒自在的假期氛圍，就像在長週末駕車穿過鄉村的橘子園一樣。材料中選用了來自泰國東北部沙功那空府(Sakon Nakhon)的柚子皮和葉子，搭配樹苔、柑橘花。

No Traffic Jam的靈感來自歐洲柑橘古龍水。同時，我們也想講述東南亞的故事。

屋頂的邂逅，喧囂之外，清醒之中： Meet me on the Rooftop

以曼谷的城市生活作為靈感，rati其中一款作品「屋頂的邂逅」（Meet me on the Rooftop）捕捉的是一個迷人的夜晚，在於屋頂酒吧的一次偶遇。以月桂葉和溫暖的木質香為核心，再少許琥珀和蜂蜜，增添溫暖和感性。

尾韻，香氣背後的守護

香氣，是情緒的延伸，也是一種靈性療癒，在充滿焦慮的世代，這種離出更顯重要，既然香氣給予的是一份想像，一個故事，何不走向自己所在的土地呢？rati最觸動人的，是對香氛的熱愛，也是一份想為在地文化再造生機的期盼。

延伸閱讀
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正是在這樣的時代背景下，臺北文創《名家會客室》年度系列講座首場，以「數位時代的類比靈魂」為題，邀請臺北世界大學運動會開幕式音樂總監櫻井弘二與金曲獎視覺統籌顏伯駿同台對談。兩位來自不同領域，卻同樣經歷過產業劇烈變革的創作者，一位見證音樂從黑膠走向串流，一位陪伴唱片產業走過實體到數位的轉折，身處 AI 浪潮第一線，他們從自身經歷出發，分享技術如何改變創作，又如何重新定義創作者的價值。

從黑膠到 AI，櫻井弘二走過音樂的每一次轉身

在臺灣生活超過三十年的日本音樂家櫻井弘二，其創作歷程見證了音樂產業與科技的演化史。從張雨生的〈我期待〉、張惠妹的〈孤單Tequila〉、到江蕙與伍思凱的〈秋雨彼一暝〉，無數華語經典名作皆經由他的巧手編曲而成。

在櫻井弘二開始玩音樂的時代，使用的還是類比合成器，「那是一台外觀複雜、佈滿線路的機器，開機沒聲音是日常，你得一條線、一條線去 Debug，接對了，聲音才會出來；有時候好不容易調出了一個完美的音色，一不小心動到旋鈕，聲音就跑掉了。」想起當時情景，櫻井的語氣裡透著一絲懷念：「當時做音樂真的非常忙碌啊~」

到了數位合成器的時代，聲音開始可以儲存，機器還內建了多種音色，一鍵就能切換；電腦加入之後，錄音、編曲到後製的可能性一步步被打開，身為從類比過渡到數位的親歷者，櫻井很肯定地表示，「科技正是推動音樂製作大步前進的關鍵力量。」

當創作一首歌只需要二十秒

談到 AI 對音樂創作的影響，櫻井認為，真正讓人震撼的不是 AI 的存在，而是它進步的速度。

以歌聲為例，如今的 AI 不僅能根據創作者輸入的旋律與歌詞演唱歌曲，甚至可以即時修改內容。只要更換一個字或一句歌詞，系統便能快速重新生成演唱版本。櫻井老師有些得意地分享，「我目前使用的 AI 歌手資料庫有超過 130 種聲音，男生、女生、黑人、白人什麼都有，還有各種演唱風格與音色特色，從流行、美聲到 Rap 等等。」

除了歌聲之外，AI 也開始進入樂器模擬領域。過去以電腦模擬弦樂器時，經常給人不夠自然、缺乏生命力的感覺，但近年在AI的調整下，弦樂的音色表現已經進化到非常接近真人樂手的演出質感。

更大的改變則發生在音樂編輯與後製階段。櫻井舉例，現在透過 AI 技術，可以直接將一首歌曲中的歌聲、鼓組或其他樂器聲部分離出來，不喜歡的直接移除或調整取代，一個全新的版本瞬間生成。連帶受到改變的，還包括混音、效果器處理等流程，過去這些工作必須進錄音室、仰賴專業團隊完成，現在透過一台電腦就能解決，櫻井笑說，「我今年發行的四件作品，大部分製作流程都是在家中獨力完成的。」

AI讓音樂創作變得更容易，但有利必有弊。因為AI 演算法本質上是基於「大數據機率」，為了符合大眾口味，AI 會傾向選擇最普遍、最安全、最常出現的和弦或節奏，無形中影響了音樂的獨創性，也降低了觸動共鳴的情感傳達。因此，櫻井認為儘管AI改變了音樂產業，但作品能否成為真正的經典，仍取決於音樂創作者。

在產業巨變中打怪升級，早就成為顏伯駿的設計日常

科技顛覆的力量有多可怕？顏伯駿早在學生時代就親身體驗過了。大學時主修網頁設計的他，當時最重要的專業課程之一，就是架設網站必定會使用的 Flash 設計，沒想到畢業一年之後，Flash 內容就被快速淘汰了，「大學四年等於白學了。」顏伯駿苦笑。

Flash的結局可能多少影響了顏伯駿後來的職涯選擇，後來他進入了唱片產業成為封面設計者，在那個實體唱片仍具市場規模的黃金年代，封面設計是唱片發行非常重要的一環，從印刷、裝幀、材質選擇、到特殊工法應用，在在都在為專輯加值，顏伯駿也從最初的設計執行者，逐漸蛻變為全面整合資源、掌握整體製作流程的管理者，工作邀約也從唱片產業一路延伸到品牌設計、文化策展與各類跨領域專案。也正是這些經歷，讓顏伯駿在實體唱片市場萎縮之後，得以走向新的設計領域發展的底氣。

如今，設計產業再度迎來 AI 的挑展，顏伯駿不諱言，無論是美工、美編，或是偏向執行面的基礎設計工作，AI 已經開始接手其中大量流程。但「設計」會被取代嗎？ 顏伯駿認為，與其擔心市場是否還需要設計師，不如想想如何在AI的輔助之下，將創意發揮到前所未有的極致之境。

當設計從勞力密集中解放 「你的創意可以去到哪裡？」

2025世壯運期間，顏伯駿曾在主辦單位不看好的情況下，執意為整個活動拍攝一部30分鐘的紀錄片。當時最多人質疑的是，即便能在有限時間內完成拍攝和訪談，光是梳理這些海量的素材起碼也要花上幾個月，如何趕得上世壯運活動期間的宣傳期程？

但顏伯駿力排眾議，將前期的任務分工、拍攝規劃、還有整理超過100小時的拍攝素材等耗時費力的流程交由AI處理，不僅大幅縮減了作業時間，在進入剪輯階段之後，也只需要輸入主題、受訪人物或關鍵字，系統便能快速回溯所有素材，精準找到內容。團隊最終在不到半個月之內，完成了這支 30 分鐘紀錄片。顏伯駿強調，讓AI分擔過去需耗費大量時間處理的工作，並不代表人力需求的縮減，「我想表達的是，AI 正在改變創作者對於可能性的想像。」

曾經因為人力、資源限制很難做到的事情，如今因為AI的協助不再遙不可及。六年前，顏伯駿與團隊曾投入一項特殊的教育計畫——改造國小三年級的自然課本。起初，他抱持著「讓課本如繪本般精美，以此啟發孩子科學興趣」的視覺思考，然而進入教育現場後，很快就被潑了一盆冷水。

教育專家提醒他，教科書插畫不同於藝術創作，必須嚴格遵守「科學事實」。例如要畫出小朋友在森林中遇見梅花鹿的場景時，人和動物之間必須相隔一定距離以上，才不會將膽小的梅花鹿嚇跑，畫面若無法呈現這點，「正確性」就不存在。還有植物生長的環境、陽光在特定季節從枝葉間灑落的角度等，皆須符合科學根據。光這一幅森林場景，顏伯駿團隊便歷時三個月反覆考證與繪製，「現在講起來都還一肚子氣」，顏伯駿打趣地表示，若能以當前的AI生成式技術重新執行，或許一個月內就能產出全套教材，這不僅對比出過往精雕細琢的扎實工夫，也點出科技對設計製程的顛覆性改變。

你的人生，才是創作真正的資料庫

創作真正困難的，是選擇。櫻井弘二談到自己年輕時非常喜歡爵士樂，尤其著迷於即興演奏，同樣的主題每天都能產生不同變化，聽起來自由而迷人。但多年後，他卻開始重新思考即興的價值，因為他發現，創作最困難的除了產生可能性，還有做出「The best version」。談到 AI 與創作者最理想的關係，櫻井用一間餐廳來比喻。 「一家真正讓人記住的餐廳，招牌菜背後一定有故事。或許是主廚的成長經歷，或許是一段地方記憶，又或許是某個特別想分享的味道。音樂也是一樣。」 創作者最重要的工作從來不是生產更多內容，而是從無數可能中挑選出自己相信的答案以及想傳達的故事， 而這份判斷，來自每個人獨特的五感記憶——這是目前的AI科技無法掌握的。

談到未來設計師是否會被 AI 取代，顏伯駿給出了一個有趣的答案，「未來還會不會有『設計師』這個職稱，我不確定。」他笑著說。在他的想像裡，未來的創作者不再只是單一領域的專家，而是結合設計、教育、顧問、研究與策略能力的跨域工作者。每個人都像由不同能力組成的配方，有人設計能力強一點，有人更擅長教育溝通，有人則擅長整合與策劃，而這些不同的比例，也將形塑出每個人獨特的價值。

圖文授權轉載自: 臺北文創 名家觀點