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AI時代下的極限求生，是這四點，讓藝術活了下來

上帝創造語言時深思熟慮：讓詞語與概念有著精準的對應，但總有無法想通的時候，祂說：啊！不如就暫時稱之為「藝術」吧！這個混沌多元的思想空間隨時歡迎新事物，比如已在現實中捲起滔天巨浪的AI，它徹底改變了人與人間的依存關係，文化該如何互動與再生？藝術該如何立足當代？

生存法：實驗性與議題

不怕AI夠變態，只怕自己太懶散，都知道科技一直在自我突破的道路上瘋狂飆車，速度非肉眼能及，有些藝術家們在享受科技帶來的紅利同時卻開啟了最強的學習模式，樂於與新技術同步共舞，讓各體智慧和集體智能產生微妙互補，共創驚艷世界的高難度動作，早在1960時，藝術家Vera Molnár 就開始了生成藝術(Generate Art)的共創關係，當代的藝術家則在這條路上走得更加奔放，如安妮卡.伊（Anicka Yi）圍繞著「生物演化」與「本質」兩個議題，2021年，她在泰特美術館的展覽《In Love With The World》試圖用藝術討論人與機器的相處方式：以水母、菌類為靈感結合智能科技，將機器視為另一個生命體，製作好氧生物（Aerobes）：用溫度偵測環境自由移動，同時還有自己的「個性」。

如果說實驗性（Experimental）是AI的互補項，那安妮卡則實現了概念與形式的創意、稀缺性（技術門檻）與體驗導向（觀眾與場所）的三維合併，前兩項可以透過堅實的數據打底，加之人本的感性操作，達到獨特的審美體驗。

「實驗性」另一個範例是將作品「議題化」，簡單來說是將藝術品所涉及的環節與特定歷史、社會、個人故事產生獨特的關聯，比如美國藝術家Mary Weatherford嘗試將霓虹燈引入繪畫，是西方現代化的縮影，同時也代表著加州的夜生活與城市文化。「議題化」的實際功能是什麼呢？藝術品做為流通在藝術世界的文化貨幣，必須適應藝術界的框架，而上述提到的特質就是能作為藝術評論、展覽策劃、收藏指南的重要「談資」。換句話說，作品內容會變成評論家、研究者識別藝術家的文化標籤，舉凡女性、弱勢群體、消費主義等。

銀子與場子：展示貨幣的空間

當影音、文字都能透過電腦代勞，說明技術不再是創作中最難突破的挑戰，重點是佔據人群內心中的「認知高地」，以社會關係鍍金，因此，藝術品未必以大眾為目標，有時候是活在特定的金字塔中。一位能在紐約Moma辦個展的藝術家與巷口賣工藝攤分別面對的是哪些消費力？都是待價而沽的商品，只能說銀子和場子永遠有著千絲萬縷的聯繫。說得極端一點，如果想撈到好魚、得先考慮去哪個漁場、準備哪些工具。有些人此時會憤怒高喊：「藝術平等！這喪失了真善美的本質！」是的，現實就是如此諷刺，有些人為人類的精神價值而奮鬥一生，流芳千古，但這不違反藝術品流通在一個充滿階級、價值差異的世界裡。

迷走世代的棲居之處

“What happens to art when the artist is gone? Can it grow, change, and create new meanings on its own?”

有些法則，在任何世代皆可適用，藝術是促成知識生產的催化劑，實驗性與議題能讓人們從無解、質疑、批評到理解、欣賞、分享，在追尋答案中昇華，完成馬斯洛金字塔中的上層心理需求。展示空間與資本的互動彰顯了藝術品終歸要回到社群中，人群永遠是文化產品的終點，因此只要人群還在，對藝術的需求將長久佇立。那麼，當代人最大的精神需求是什麼呢？一個可能的答案是：資訊爆炸讓一切都顯得片面與局部，碎片化信息將人的精神狀態切割得支離破碎，迷茫與躁動反而轉化成人對短影音的進一步鴉片式依賴。此時，有研究能力的藝術家能在這個時代的拐口上成為最好的引路人，以作品把人帶入一個可讀性強的思想空間，讓紛亂內心有所棲居，這或許是藝術存在的時代價值吧！